Elle est évoquée dans mes vues aériennes de la mer, des nuages ou des montagnes, depuis le hublot d'un avion. Le voyage en avion est un rituel de mobilité et en même temps d'immobilité, de connexion à la fois au présent et à l'infini. Ce travail nous amène à nous interroger sur le passé, le futur et le présent qui se trouve entre les deux.

En regardant ces tableaux, ils se remettent dans la situation devenue habituelle de regarder par le hublot de l’avion pendant un voyage d’un point A à un point B. Suspendus, apparemment immobiles, ils s’en remettent aux pilotes et à la course du vol. Le paysage qu’ils voient défiler plus bas semble presque immobile et pourtant, l’avion avance à plusieurs centaines de km/heure.

Ils se trouvent ainsi dans plusieurs angles de vue avec le temps qui passe : le point de vue du moment présent, le point de vue du moment passé, le point de vue du moment passé tel qu'ils le revivent au présent et le point de vue - encore improbable - du futur potentiel.

En regardant les vagues, les montagnes, ou les nuages défiler lentement plus bas, en miniature, ils entrent dans une dimension psychologique et introspective.

« Il a en effet montré que la séparation que l’on fait entre l’espace et le temps n’est pas absolue : elle dépend du référentiel.

En fait, ce que dit la relativité, c’est qu’il existe autant de temps propres qu’il existe d’observateurs différents. »

« Votre montre marque les secondes au même rythme que lorsque vous êtes immobile. En revanche, si vous vous déplacez par rapport à quelqu’un, quand vous retrouverez cet observateur après votre voyage, vos montres qui étaient synchronisées au départ ne le seront plus. » (pour comprendre comment, lire l'interview de Marine Corniou pour Québec Science, 23.10.2014). »

« Les temps propres se désynchronisent quand on change de référentiel. Cela se traduit par le fait que, dès lors que deux événements ayant lieu en deux endroits différents sont simultanés pour vous, ils ne le sont pas pour les observateurs en déplacement par rapport à vous. C’est contre-intuitif. » (ibid.) 

Les teintes de bleu profond se déplacent subtilement sur la toile, créant une illusion de mouvement et de densité. De délicats mouvements de pinceau, presque invisibles, se superposent pour former une riche tapisserie de motifs, évoquant le jeu serein de la lumière sur l'eau. Les bords de l'œuvre sont rugueux, comme s'ils avaient été arrachés à un ensemble plus vaste, ce qui renforce sa nature organique et fluide.

L'utilisation du clair-obscur renforce le sentiment de profondeur et laisse entrevoir une sensation sombre et mystérieuse. Cette œuvre oblige le spectateur à réfléchir à la nature infinie et changeante de l'océan, invitant à une exploration méditative de sa beauté complexe et stratifiée. Elle affirme une simplicité audacieuse en capturant l'essence éphémère du mouvement et de l’immobilité.

Bien que les thèmes au cœur de mes petites peintures (temps, mémoire, projection) soient aussi abstraits et intangibles que mes paysages, l'une des impressions les plus immédiates que procurent les objets eux-mêmes est celle de la picturalité et de la matérialité. Attiré vers ces œuvres par leur taille intime, on découvre une surface si finement détaillée qu'elle en devient enveloppante et immersive.

D’ailleurs, mes paysages marins ou montagneux évocateurs sont davantage le produit d'un état d’esprit, que la représentation de lieux particuliers. La seule raison pour laquelle on qualifie mes œuvres de paysages est d'ordre culturel : c'est simplement que les spectateurs les considèrent automatiquement comme des paysages, bien qu'aucune des images ne puisse être rattachée à un lieu géographique. J'aime l'idée que le paysage est une structure plutôt qu'un lieu réel.

Des sensations de temporalité imprègnent ces œuvres, comme des portraits de méditation. Il s'agit d'une temporalité en mouvement, d'un temps qui avance. D'apparence figurative, mon travail frôle souvent l'abstraction. En dehors de la vue sur des palmiers et une petite cabane, il n'y a pas de personnes pour raconter la scène, ni d'objets pour établir un sens de l'échelle interne. Les nuages qui s'approchent ou s'éloignent, denses de pression ou baignés de lumière, tranquilles, toujours suspendus au-dessus de la suggestion de mer ou de montagne, deviennent leur propre contexte, sans référence externe, n’évoquant aucun lieu spécifique.

La caractéristique de ma technique, pour cette série d'œuvres, ressemble à celui d'une eau-forte, parfois d'une gravure. La surface de la peinture est grattée, hachurée et rayée, avec des marques de pinceau qui semblent avoir enlevé le pigment et révélé les couleurs sous-jacentes. Cette technique crée une surface liminale et respirante.

À l'instar des photographies de mer à longue exposition de Hiroshi Sugimoto, des paysages marins de Lucas Arruda et de John Constable, ou des peintures et dessins de Vija Celmins sur l'océan, mes peintures visent à accumuler le temps dans une image fixe, se révélant lentement, avec des couches de pigments devenant progressivement plus opaques ou plus légères et, en même temps, suggérant un espace de plus en plus profond et une expérience énigmatique.

Dépourvus de points de référence spécifiques, les paysages marins ne sont pas délimités par des lignes d'horizon. Au contraire, leur direction est toujours diagonale, suggérant ainsi le mouvement ou le déplacement.

Plutôt que d'observer la nature, je cherche à découvrir une sensation, un état d'esprit suspendu dans le temps à travers la peinture.

Elle s’associe à ma réflexion sur le temps : Le temps des vacances est un moment « d’entre-deux » dans la vie. Il sépare une période, généralement de travail, d’une autre période, de travail aussi, ou plus généralement, de vie. Le petit cabanon de plage semble fermé, les tables et chaises en plastic, empilées les unes sur les autres. La forêt, d’un brun « anthracite » monochrome, se trouve dans une pénombre relative.

C’est la fin de la journée, le soleil descend derrière les arbres (l’ombre d’un tronc sur le sable nous donne cette information). La journée paresseuse sur la plage et dans l’eau est maintenant terminée et le temps du retour à l’hôtel, ou à la maison à la fin des vacances, se profile, avec à nouveau, un regard sur le temps qui passe et la question philosophique : Et maintenant, que fait-on, où va-t-on? C’est d’ailleurs le seul tableau de cette série à ce jour à avoir un titre : Where are we now?, en référence à la chanson homonyme de David Bowie.

La composition est dominée par d'imposants palmiers, dont les frondes s'étendent vers le ciel, créant une imposante canopée. Le feuillage luxuriant et dense sert de toile de fond, rendue dans des tons sombres et riches qui évoquent un sentiment de mystère. Au premier plan, deux huttes aux couleurs vives, l'une verte et l'autre jaune, se détachent de la toile de fond naturelle. Ces structures introduisent un délicieux contraste, ajoutant de la vivacité à un cadre par ailleurs serein.

Ma technique, caractérisée par des coups de pinceau épais et des textures superposées, confère une qualité tactile, invitant les spectateurs à presque sentir la rugosité du feuillage et la solidité des huttes. Le jeu d'ombre et de lumière renforce encore l'intérêt visuel, en projetant une lueur douce et diffuse sur l'ensemble de la scène. Cette représentation transporte les spectateurs dans un paradis tropical à la fois tranquille et énigmatique, et les fascine par sa beauté.